Zum ersten Mal würdigt eine große Ausstellung Nelly Sachs’ Leben und Werk. Anhand einer Fülle von bisher unbekannten Fotos, Texten und Zeugnissen werden die wachsende Radikalität und der kulturgeschichtliche Kontext ihrer Dichtung herausgearbeitet.

„Flucht und Verwandlung“ zeigt, wie sich das Werk der Nelly Sachs entfalten konnte: im Gedenken an eine bekannte, aber verloren gegangene Welt, im Kontakt mit einer neuen, aber fremden Kultur – kurz, in Krise und Umbruch. Mit Hilfe vieler Dokumente können zum ersten Mal die Koordinaten ihres „unsichtbaren Universums“ bestimmt werden. Sowohl das reichhaltige Material als auch Einblicke in wichtige Freundschaften mit Paul Celan und Hans Magnus Enzensberger, Margaretha Holmquist und Rosi Wosk zeichnen das Porträt einer der wichtigsten Dichterinnen des 20. Jahrhunderts.

Die von Aris Fioretos und gewerk design in Zusammenarbeit mit dem Jüdischen Museum Berlin, dem Jüdischen Theater Stockholm, der Königlichen Bibliothek Stockholm, der Schwedischen Botschaft und dem Suhrkamp Verlag entstandene Ausstellung startete im März 2010 im Jüdischen Museum Berlin. Nach weiteren Stationen in Stockholm, Zürich und Frankfurt kommt die Ausstellung zu dem Zeitpunkt nach Dortmund, wenn im Dezember 2011 die Stadt Dortmund zum 25. Mal den 1961 gestifteten, nach der Dichterin benannten Literaturpreis vergibt.

Zur Ausstellung erschien eine von Aris Fioretos kommentierte Werkausgabe in 4 Bänden (Gedichte 1940–50, Gedichte 1951–70, Szenische Dichtungen, Prosa und Übertragungen) sowie eine Bildbiographie unter dem Titel „Flucht und Verwandlung“ (320 S., 450 Abb.), allesamt im Suhrkamp Verlag.

Eine Hör-CD mit einem 20-seitigen Booklet liefert ein akustisches Porträt von Nelly Sachs, mit Originaltönen der Schriftstellerin sowie ihrer Freunde und Weggefährten.

In der Ausstellung werden zehn von einer Fachjury nominierte Künstler und Künstlerinnen zu sehen sein, aus denen drei Preisträger ermittelt werden.

Der erste Preisträger erhält neben dem Preisgeld eine Ausstellung im folgenden Jahr. So wird parallel die Preisträgerausstellung von Daniel Burkhardt gezeigt, der den DEW21 Kunstpreis 2010 gewonnen hat.

Burkhardt studierte audiovisuelle Medien im Fachbereich Medienkunst an der Kunsthochschule für Medien in Köln. 2010 erhielt er den DEW21 Kunstpreis für seine Installation „spalten“. Der Künstler nennt seine Arbeiten selbst „RaumZeitSkulpturen“. Filmsequenzen bilden den Ausgangspunkt seiner Arbeiten. Aus dem Filmmaterial wählt er Einzelframes und Szenen aus, um sie digital zu fragmentieren und virtuos zu neuen, technisch perfekten, ästhetisch faszinierenden, zugleich irritierenden "Bild-Filmen" zu montieren. In diesen sind die gewohnten Regeln der Wahrnehmung, die Sukzession im Raum, die Linearität von Handlung und Zeit, die Grenze von organisch und artifiziell, hässlich und schön auf überraschende Weise außer Kraft gesetzt, ist die Vorstellung von Grenze überhaupt in Frage gestellt.

Parallel zur Ausstellung "High Sixties Fashion" hat das Museum für Kunst und Kulturgeschichte von den Dortmunder Bürger/innen ihre "Lieblingsstücke" aus der Zeit von 1957 bis 1976 erbeten. Nach dem Wiederaufbau, der politischen Stabilisierung und dem Wirtschaftswunder in den jungen Jahren der Bundesrepublik folgte eine lange Spanne des gesellschaftlichen Aufbruchs und der Modernisierung. Jugend- und Popkultur, Emanzipation und Reformen, alternative Lebensstile und überraschendes Design veränderten auch die Sachkultur des Alltags. Diese Umbruchzeit soll mit persönlichen Gegenständen und Geschichten aus Dortmund im Museum präsent werden.

Zu sehen sind Dinge, die sich noch im häuslichen Gebrauch befinden, genauso wie Kleidungsstücke, Accessoires, Kleinmöbel oder Urlaubssouvenirs. Ob der vom ersten Gehaltsvorschuss erworbene, "Schneewittchensarg" genannte Plattenspieler der Firma Braun oder das bei einem Preisausschreiben gewonnene Rot-Weiß Essen-Trikot von Horst Hrubesch – jedes Lieblingsstück hat einen Grund, weswegen es die Zeit überdauert hat und nun in der Ausstellung zu sehen ist.

Zwei Erzählcafés am 20. August und 17. September geben die Gelegenheit, über die eigenen Erinnerungen an die Zeit zwischen 1957 und 1976 bei Kaffee und Kuchen zu plaudern.

Typische Schlager zeichnen sich durch gefühlsbetonte Texte und eingängige Melodien aus. Die meisten Schlager sind Tagesware für den Augenblick, manche jedoch überdauern in ihrer Beliebtheit und Relevanz Jahrzehnte. Schallplatten und CDs von Interpreten wie Caterina Valente, Udo Jürgens, Peter Alexander sind millionenfach verbreitet. Millionen Menschen lieben den Schlager, Millionen Menschen reiben sich an ihm. Deshalb spielt der Schlager in unserer Gesellschaft eine bedeutende Rolle.

Das Museum für Kunst und Kulturgeschichte Dortmund zeigt eine von dem Historiker Ingo Grabowsky für das Stadtmuseum Sachsenheim konzipierte Wanderausstellung, die dort bis zum 24. April zu sehen ist.

Anhand von 26 unterhaltsamen wie ernsten Themen wird eine Zeitreise des Schlagers von A bis Z präsentiert: Von A wie Amerika über G wie Grand Prix, P wie Publikum bis Z wie ZDF-Hitparade zeigt sie ein breites Panorama der leichten Muse. Zahlreiche interaktive Elemente und Medien beleben die Ausstellung, die für die Station in Dortmund um weitere Originalexponate bereichert wurde.

Neben Führungen findet am 9. Juni 2011 ein Schlagerabend mit WDR 4 als Talkshow mit den Schlagerstars Mary Roos, Ingrid Peters, Frank Schöbel und Bernhard Brink in der Rotunde des Museums statt. Weitere Veranstaltungen zu dieser Ausstellung entnehmen Sie bitte der Tagespresse.

Zur Ausstellung ist ein Katalog erschienen, der im Museum erhältlich ist (15 Euro).

Ein Projekt des Fritz-Hüser-Instituts für Literatur und Kultur der Arbeitswelt in Kooperation mit dem Institut "Moderne im Rheinland" an der Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf und der Technischen Universität Dortmund.

Wir schreiben das Jahr 1961. In Berlin beginnt der Mauerbau, in ganz Deutschland wird ‚Die Pille’ käuflich und in Dortmund? In Dortmund bricht eine Gruppe auf, den Literaturbegriff zu verändern. Sie nennen sich die Dortmunder Gruppe 61 und kommen aus dem ganzen Land in diese Stadt. Sie sind Arbeiter, Bergmänner, Angestellte, sie sind schreibende Menschen, die den Gegenstand ihres Alltags, die Arbeit, literarisch erfassen wollen. Ein Skandal, der der Öffentlichkeit nicht lange verborgen blieb und für umfangreiche Diskussionen in allen Medien sorgte: Was ist das eigentlich – Literatur? Und wer macht Literatur?

Die Dortmunder Gruppe 61 hat in den 1960er Jahren den Literaturbegriff verändert, er sollte nicht mehr Ausdruck einer intellektuellen Elite sein, sondern Ausdruck von Menschlichkeit, Solidarität und Gegenwart. Heute ist die Gruppe fast vergessen. Die Ausstellung erinnert an die wichtige Bewegung und stellt die Frage neu: Was ist das eigentlich – Literatur?

Zur Ausstellung ist ein Katalog erhältlich.

Die Heidelberger Sammlung ist benannt nach dem Kunsthistoriker und Arzt Hans Prinzhorn (Hemer i. Westf. 1886–1933 München), der 1919 als Assistent an die Psychiatrische Klinik der Universität Heidelberg kam. Deren Leiter Karl Wilmanns hatte ihn beauftragt, eine bereits bestehende kleine Kollektion künstlerischer Arbeiten von Psychiatriepatienten mit Werken aus anderen psychiatrischen Anstalten zu erweitern und in einer wissenschaftlichen Studie auszuwerten. So entstand Prinzhorns Buch "Bildnerei der Geisteskranken. Ein Beitrag zur Psychologie und Psychopathologie der Gestaltung" (1922). Er erkannte ihren Wert und ihren Einfluss auf die moderne Kunst. Die Ausstellung zeigt moderne Arbeiten der heute noch existierenden Sammlung mit älteren Werken aus der Sammlung Morgenthaler sowie aktuelle künstlerische Arbeiten von Psychiatrieerfahrenen des Vereins Art-Transmitter, einem Projekt der "Europäischen Gesellschaft zur Förderung von Kunst und Kultur in der Psychiatrie e.V.".

Sexualität ist ein bisher in der Darstellung der Kunst von Insassen psychiatrischer Einrichtungen ein noch fast unbehandeltes Thema. Sie wurde in den Anstalten um 1900 tabuisiert. Die Abteilungen waren strikt nach Männern und Frauen getrennt, so dass sexuelle Handlungen, wenn überhaupt, dann gleichgeschlechtlich stattfinden mussten. Sehnsüchte und Verlangen wurden unterdrückt und häufig künstlerisch verarbeitet.

Während Frauen eher die romantische Seite der Liebe betonten und Bilder von Traumprinzen oder Hochzeiten malten, wurden die Männer konkreter und stellten die Objekte ihrer Begierde in eindeutigen Posen dar. Seit Mitte des 20. Jahrhundert änderten sich die Darstellungen hin zu recht realen Szenen, die auch Masturbationen oder sexuelle Übergriffe nicht ausschlossen.

Die Ausstellung wird damit zu einem einzigartigen Projekt, das neben der überraschenden Ästhetik der Bilder Einblicke in die Geschichte der Psychiatrie und den Umgang mit ihr liefert.

Sie ist ein Projekt im Rahmen von "TWINS" der Kulturhauptstadt RUHR.2010.

In seinen Fotografien von Beyoğlu, dem "europäischsten" Stadtteil Istanbuls, treten die traditionellen Symbole und Postkartenmotive in den Hintergrund und tauschen den Platz mit den Menschen der Stadt. Sie erzählen die Geschichte dieser Menschen, bescheiden, unprätentiös, ohne Pose. Wie die Tauben, die oft in seinen Fotos zu sehen sind, durchstreift Onan die Stadt und mischt sich unter die Passanten, deren Leben und Treiben er einfängt. Man kann beinahe hören, wie er vor sich hinpfeift, während er auf dem Weg ist ...

Die Ausstellung - kuratiert von Beste Gürsu - ist eine Kooperation mit dem Kulturbüro Beyoğlu und eine Referenz an die Kulturhauptstadt Istanbul 2010.

Oberthema ist das geistige Exil des einzelnen Menschen, der sich in der Gesellschaft nicht vertreten sieht. Die Künstler beleuchten dies mit immer wieder anderen Ausdrucksformen der Darstellenden und Bildenden Kunst. Aktionen, Performances, Ausstellungen und Auftritte bilden Teilstücke des gesamt Werkes.

Raum-Installation im Künstlerhaus

Unter dem Titel "Der Bruch der Reise" ist das nächste Teilstück als Rauminstallation im Künstlerhaus Dortmund zu erleben. Während ihres Gastaufenthaltes werden die Künstler das Haus am Sunderweg intensiv kennenlernen. Dabei entstehen Fotos und Filme, die auf eine andere Installation der kunstgruppe GOTTLIEB stoßen: "Find The Net". Diese Installation ist ein weltweit präsentes, sich ständig wandelndes Kunstwerk, das den Betrachter mahnt, die eigene Rolle im politischen und wirtschaftlichen System zu reflektieren. Dabei kommt es zu einer kraftvollen Kollision – und zugleich zu einem Nachdenken über die Ursachen der Entfremdung und geistigen Heimatlosigkeit in einer vorwiegend materiell orientierten Gesellschaft.

Ein intermediales Forschungs- und Ausstellungsprojekt des .CHB

Eine Ausstellung im Rahmen von "scene ungarn in nrw – 40. internationale kulturtage der stadt dortmund 2010".

Das Projekt "Deutsche Einheit am Balaton" vergegenwärtigt eine der eigentümlichsten Perioden der innerdeutschen und europäischen Geschichte. Jenen bedeutsamen Teil der Geschichte der während des Kalten Krieges gespaltenen deutschen Nation, der sich jahrzehntelang – zwangsläufig und skurrilerweise – außerhalb des eigenen Territoriums abspielte. So gab es von den 1960er bis 1980er Jahren auf ungarischem Staatsgebiet, insbesondere rund um den großen Binnensee Balaton, einen "exterritorialen" Begegnungsort.

In unzähligen gezielten oder zufälligen persönlichen Begegnungen nahmen Ost- und Westdeutsche dort – wie ein Zeitzeuge es formulierte – die deutsche Einheit vorweg und bereiteten damit die friedliche Revolution vor. Die vom Collegium Hungaricum Berlin initiierte Ausstellung konzentriert sich auf diese lange und widersprüchliche Geschichte und nicht (nur) auf ihr "Happy-End", den Sommer 1989 und die darauf folgenden Monate der Umbrüche in Europa.

Die Schau in der Ausstellungshalle der Dortmunder Museen besteht aus mehreren medialen Räumen zu verschiedenen Themen. Gezeigt werden u. a. Fotos, Filme und Zeitzeugenberichte als kinematografische Installation von Gusztáv Hámos und Péter Forgács. Letztgenannter ist Medienkünstler und unabhängiger Filmemacher aus Budapest. Seine Videos werden in den großen Kunstsammlungen der Welt gesammelt, vom Centre Pompidou bis MoMA und dem J. Paul Getty Museum. Durch seine Mitarbeit am Projekt ist dieses als Gesamtkunstwerk mit deutlichem politischem Anliegen zu sehen.

Zur Ausstellung ist ein Begleitbuch erschienen, welches zum Preis von 19,90 Euro im Museumsshop erhältlich ist.

Der Napfkuchen, gebacken in einer turbanähnlichen Form, soll beispielsweise in der Türkei "erfunden" worden sein. Seinerzeit gelangten derartige Genüsse auch nach Mitteleuropa, insbesondere an die fürstlichen Höfe. Stanislaw, König von Polen und Schwiegervater Ludwigs XIV. wird nachgesagt, tagtäglich Napfkuchen als Dessert verzehrt zu haben.

Die feine Kochkunst des 18. und 19. Jahrhunderts für die höfische und großbürgerliche Küche zelebrierte das Anrichten von Speisen. Kuchen, Cremes, pikante Sülzen und süße Gelees dienten nicht nur dem Verzehr, sondern waren vor allem auch opulenter Tafelschmuck. Nahezu jedes Gericht verlangte nach einer bestimmten Form. Hergestellt wurden die innen verzinnten oder versilberten Formen aus Kupfer und Weißblech in Manufakturen, deren Kataloge die enorme Formenvielfalt spiegeln. Der Pariser Fabrikant Ch. Trottier Fils unterhielt um 1860 bereits Filialen in Lyon, Nizza, London, Neapel, Genua, Brüssel, Konstantinopel und Hannover!

Die Sammlung von Sturzformen des 19. Jahrhunderts aus dem Leopold Museum Wien wurde wegen ihrer bizarren, an Skulpturen erinnernden Formen angelegt. In der Ausstellung sind rund 60 dieser kunstvoll gearbeiteten Exponate assoziativ mit Architekturmotiven kombiniert. Losgelöst von ihrer konkreten Bestimmung verschwimmen für den Betrachter die Grenzen zwischen Alltagskultur und Kunst.

Katalog zur Ausstellung: Hildegard Wiewelhove (Hg.), Kubistische Kuchen und geometrische Gelees. Abstrakte Kunst am Kalten Buffet oder zur Genese des allgemein beliebten Wackelpeters, Bielefeld (Museum Huelsmann) 2008, Preis im Museumsshop (Museum für Kunst und Kulturgeschichte Dortmund): 10 Euro

Zur Ausstellung gibt es ein eineinhalbstündiges buchbares Kindergartenprogramm:

Beim Ausflug an des Fürsten Tafel erfahren Kinder, wie man früher in den Adelshäusern das Essen präsentierte oder wann man eine Tafel festlich dekorierte. Nach einer Einführung in das Reich der Back- und Geleeformen aus dem 19. Jahrhundert haben die Kinder dann Gelegenheit, deren Formenvielfalt zu erforschen und Ähnlichkeiten mit bekannten Bauwerken – etwa Pyramiden, Schlössern oder Burgen – zu entdecken. Auch lernen die kleinen Teilnehmer Näheres über die Herstellung von Gelees, Sülzen und Kuchen. Jedes Kind bereitet sich zudem seine eigene Götterspeise zu, die wir in gemütlicher Runde gemeinsam verzehren. Die Kosten betragen pauschal 22,50 Euro pro Gruppe plus 0,50 Euro Materialkosten pro Kind. Es können maximal 20 Kinder teilnehmen.